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一篇文章,彻底读懂日本动画为何风格丰富多样(4)
发布时间:2018-01-11 15:30    来源:网络整理    浏览量:

演出家的作者性发展有三个重要的因素,首先是63年东映从动画师中心转向导演中心,确保了演出家作者性的发挥。其实这个类比实拍,早期实拍电影大多是演员主导的,如卓别林、巴斯特·基顿、马克思兄弟等等,但是导演的权威在50年代慢慢升起,动画电影也开始出现这样的体系。然后,从60年代开始法国新浪潮运动和美国UPA动画都对日本的演出家产生了比较大的影响,这个影响持续到60年代末,其中有一些演出家就开始慢慢学习他们的手法。

对演出促进比较大的另一个因素则是,日本动画历史上有两个时期是人手不足,作画最乏力的时期,一个是从《阿童木》开始到70年代初,另一个是平成经济泡沫的90年代初,作画人员资薪最低的时期。演出家为了弥补作画的缺陷,迫使他们采取一些新颖的手法去控制整体的信息量,作品不至于太无趣。

首先是从动画师中心转向导演中心。

很多人说高畑勲的《太阳王子:霍尔斯的大冒险》是确立现代日本动画导演中心的开创者,但其实高畑勲的老师芹川有吾才是第一个。我们之前看到的《淘气王子战大蛇》片段就是他导演的作品。

可以看到,芹川有吾在确保导演中心以后,去吸收了法国新浪潮和美国一些通俗电影的表现手法,像大量蒙太奇使用,回切,连续动作里去插入特写的镜头,重叠剪辑,或者多机位的动作匹配剪辑。重叠剪辑,即前一个镜头的结束和后一个镜头的开始在时空上有一部分重叠,剪辑在一起后让重叠的瞬间在观众心中留下更深刻印象。

《淘气王子战大蛇》重叠剪辑的例子

《淘气王子战大蛇》多机位动作匹配的例子

其实在当时的实拍中,由于《战舰波将金号》的影响之下这些手法已经比较常见了,但是在动画中还是第一次。

虽然芹川有吾开创了导演中心,也具备作者性,但《阿童木》诞生后的几年,演出家的作者性普遍是比较弱的。因为体制上虽然促进了个性的发展,但是从个性中发展出新的手法、并熟练运用是需要时间的。一直到60年代末70年代初,虫制作才有了能够说具备作者性的导演,像典型就是出崎统。

出崎统的一些典型演出手法,比如倾斜镜头,大透视的远近对比,风格化的静止POSE,三回PAN,入射光和逆光镜头的使用,等等。在《鲁邦三世》TV1里,有不少出崎统化名为「斉九洋」画的分镜。

一篇文章,彻底读懂日本动画为何风格丰富多样

《鲁邦三世》TV1出崎统负责的分镜

出崎统擅长使用动静的强烈对比,让单个静止画面蕴含足够强的张力,显得尤其戏剧化。他的风格对后来的日本动画演出风格造成了深远的影响,包括我一开始提到的几原邦彦,也是深受出崎统的影响。

而《鲁邦三世》TV1里其实也有宫崎骏的分镜。国内大多数研究宫崎骏往往是从《风之谷》或者《未来少年柯南》开始,但宫崎骏的作者性其实早在70年代初就已经建立起来了。

初次指导的宫崎骏,在《鲁邦三世》TV1里与高畑勲联名署名为了「A PRO演出组」,按职员表来说其实没有一集分镜是由宫崎骏负责。但当时宫崎骏会修改别人分镜的,虽然没有署名自己的名字,熟悉宫崎骏的人还是能认出来哪段是宫崎自己画的分镜。下图就是一些宫崎骏自己画分镜的部分。

一篇文章,彻底读懂日本动画为何风格丰富多样

《鲁邦三世》TV1宫崎骏负责的分镜

相比出崎统,宫崎骏很少采取广角大透视,而是热衷于压缩景深,去追求人眼视觉的自然感。此外,宫崎骏也很少采取极端的静止POSE,而是非常注重丰富的喜剧化表演,LO也擅长使用角色与背景的互动,并且强调屏幕纵深运动。

像《鲁邦三世》TV1这样同一个系列剧中,不同集出现不一样的演出风格,而且手法比较成熟的作品,在60末70初开始逐渐出现。这种演出风格的冲突,主要是源自虫制作和东映两家拥有不同思想的公司,他们的创作者首次出现同一制作现场内的个性碰撞。我认为这种碰撞更多是来自制作作品激增的环境下,演出家供不应求的妥协结果。

随着70年代末日本动画制作系统的逐渐成熟,演出家的个性其实是有所削弱的。这一阶段的日本动画在整体演出风格上更加追求统一,加上作画的个性一度压过了演出的个性,那么其实80年代在谈及演出家作者性的时候,其实一般只会体现在导演身上。